以下内容由美术馆官方建议和撰文
东馆的展出的是博物馆的现代和当代艺术精品
无题 Untitled
Alexander Calder
American, 1898 – 1976
亚历山大·考尔德创作的这座超凡脱俗的动态雕塑坐落在东馆中庭，仅仅依靠空气气流就能动起来，这是因为它是采用铝而不是考尔德一直惯用的焊接钢材料制作的。考尔德曾考虑过安装马达，但由于使用的是高级的轻质材料，因此没有必要安装。尽管这座雕塑的翼幅超过 25 米，但整件作品的重量只有 417 公斤，比使用钢材料制作要轻 2 吨之多。
女子头像 Still Life: Le Jour
Georges Braque
French, 1882 – 1963
Ground Level – Gallery 103B
乔治·布拉克与毕加索密切合作，于 1910 年左右共同开创了立体主义艺术风格。这幅画作呈现了布拉克晚期创作生涯的典型画风；在这一时期，他将立体主义元素融入到静物和其他创作主题中。在这幅作品中，桌子的木纹、背景壁纸的设计和报纸上的文字，共同彰显了图案和纹理的交织之美。
纽约 New York
George Bellows
American, 1882 – 1925
Ground Level – Gallery 106C
这幅充满活力的大型画作由乔治·班洛斯于 1911 年 2 月创作完成，表现了新纽约城现代生活的特质。班洛斯刻意地避免表现纽约城中任何一处真实的地方。他选择以几处繁华的商业区为素材，创作出一幅虚构的全景图，以难以想象的拥挤场景，淋漓尽致地表现了纽约城的狂躁氛围。
涌浪 Ground Swell
Edward Hopper
American, 1882 – 1967
Ground Level – Gallery 106C
蔚蓝的天空、沐浴在阳光下的船员，加上浪花起伏的海面，让这幅《涌浪》呈现出一种宁静的氛围；不过，画面的细节又会隐约让人感到些许不安。在空旷的海景中心，一个浮标吸引了小船上人们的注意。浮标的作用是在看不见的或紧迫的危险来临之前发出警报，因此它的出现是一个不祥之兆。蓝天中的卷云通常是风暴将至的预兆，让这种不安的印象变得更加强烈。
天南星 4 Jack-in-the-Pulpit No. IV
Georgia O’Keeffe
American, 1887 – 1986
Ground Level – Gallery 106B
乔治娅·歐姬芙在年轻时就对天南星这种植物格外着迷。1930 年，她开始以纽约乔治胡畔的这种北美常见花卉为题材进行创作，一共创作了六幅作品。这幅《天南星 4》以放大的近景描绘了舌状肉穗花序，背景是佛焰苞深邃的深紫色内部。只有画面的左上角和右上角绘有一些绿叶和阴天色调。
审判日 The Judgment Day
Aaron Douglas
American, 1899 – 1979
Ground Level – Gallery 106B
1927 年，纽约哈林区文艺复兴运动的一位关键人物詹姆斯·韦尔登·约翰逊出版了他的杰作《上帝的长号：黑人布道诗七篇》。每一首布道诗都配有阿隆·道格拉斯绘制的插画。当时的道格拉斯是一位年轻的非洲裔美国艺术家，刚刚在哈林区定居不久。几年后，道格拉斯开始根据他的插画创作大型油画。这幅《审判日》是他创作的八幅系列画作中的最后一幅。画面中央是跨越大陆和海洋站立的大天使加百利。大天使们吹响号角，召来地球上的各国人民，面对终极审判。
老虎 Tiger
Ellsworth Kelly
American, 1923 – 2015
Mezzanine – Terrace
这幅名为《老虎》的画作色彩灵感来源于埃尔斯沃斯·凯利使用一种彩色胶纸制作的拼贴画。这种胶纸材料在巴黎文具店有售，在法国小学中广泛使用。凯利使用这种材料进行创作，表明他对“偶然拾得的天然艺术品”青睐有加，这是理解其视觉世界的关键。凯利在所处的自然或城市环境的负空间中，找到了他的抽象形状和轮廓的创作灵感。在创作这幅作品期间，凯利花了大量时间观摩欧洲的艺术和建筑。他所看到的几何结构很可能是这幅画作的创作来源，尽管是间接的灵感。
卖艺人家 Family of Saltimbanques
毕加索 Pablo Picasso
Spanish, 1881 – 1973
Mezzanine – Gallery 217C
这幅《卖艺人家》是毕加索早期创作生涯的最重要作品。对于毕加索来说，这些四处流浪的卖艺人，包括杂技演员、舞蹈演员和小丑，代表了被忽视的、忧郁的底层艺术家群体，就像是一个让他觉得有归属感的大家庭。出生于西班牙的毕加索在来到巴黎后的最初几年中也是一贫如洗，不得不竭尽所能寻求大家的认可，就像画中人的境遇一样。画面的最左侧是一个沉思中的小丑，他身穿菱形图案戏服，从面容上看，俨然就是肤色黝黑、紧张局促的年轻毕加索。
开着的窗户 Open Window, Collioure
Henri Matisse
French, 1869 – 1954
Mezzanine – Gallery 217B
如今看亨利·马蒂斯的这幅《开着的窗户》，可能看到的是温柔和抒情，但是在最初，这幅画因其厚重的笔触和强烈的色彩，被认为充满野性画风。这幅画作规格虽小却极具冲击力，是早期现代主义风格的代表作，被誉为野兽派最重要的作品之一。野兽派艺术家热衷于将色彩和质感从对自然形态的刻板写实中解放出来。这幅画作是马蒂斯野兽派艺术风格的开篇之作。
伞下的两个女孩 Two Girls under an Umbrella
Ernst Ludwig Kirchner
German, 1880 – 1938
Mezzanine – Gallery 217A
恩斯特·路德维希·凯尔希纳创作这幅画作时还在职业生涯的早期阶段，当时他是表现主义团体“桥”画社的创办人之一，该团体于 1905 年在德累斯顿创立。在这幅作品中，凯尔希纳描绘了处于自然环境而不是艺术工作室矫饰空间中的两个裸体女性。这幅画作也是作者运用大胆甚至粗放的形态和鲜亮颜色进行创作的一幅代表作品。
即兴 31，（海战） Improvisation 31 (Sea Battle)
Wassily Kandinsky
Russian, 1866 – 1944
Upper Level – Gallery 415A
瓦西里·康定斯基的作品在一定程度上反映现实世界，但他在这幅画作中对细节进行了变形和调整处理，以传达一种情绪。尽管乍一看来，这些变形的形状及多彩的颜料涂画是完全抽象的，但它们实际上形成了许多可辨识的形象。这幅《即兴 31（海战）》的中心主题是两艘困在战斗中的帆船，画家以黑色线条呈现出帆船的高大桅杆。康定斯基的创作主题在他的多幅《即兴》作品中得到体现，其灵感很可能来源于圣经《启示录》中的末日景象。
不再玩游戏 No More Play
Alberto Giacometti
Swiss, 1901 – 1966
阿尔贝托·贾科梅蒂的超现实主义雕塑家当中备受尊重的一位，正如这尊《不再玩游戏》雕塑一样，他经常把游戏主题融入到他早期的作品中。贾科梅蒂在这里塑造的形态类似于棋盘游戏，不过虽然有可移动的棋子，但游戏的性质并不明朗。这尊雕塑中表现的游戏不仅空间迷离，规则也不可知，使游戏更像是梦中的情景。
清新的窗户 Fresh Widow
Marcel Duchamp
American, born France, 1887 – 1968
Upper Level – Gallery 415B
马塞尔·杜尚力图挑战传统绘画和雕塑方法的基础理论。受美国便宜而简单的量产复制品理念的启发，他开始搜罗“随手拾来的天然艺术品”作为他的“现成品”展出。“现成品”一词是他在纽约生活时从服装行业借用的术语。他试图在展览中展出这些司空见惯的物品，经常在捡来的物品上签名之后原封不动地展出，这一做法震惊了艺术界。这幅作品的标题是一个双关语，明指巴黎公寓中常见的双层窗户，暗指第一次世界大战中新近丧偶的法国妇女。杜尚并没有亲自动手制作这个迷你窗户，而是外包给了一个美国木匠。
空间中的鸟 Bird in Space
Constantin Brancusi
Romanian, 1876 – 1957
Upper Level – Gallery 415C
尽管这尊雕塑看似属于抽象风格，但康斯坦丁·布朗库西坚持认为他的作品揭示了主题内涵。他的作品吸收了传统的非洲雕塑和罗马尼亚民间雕刻技艺；他还将基座变成艺术创作中不可分割的部分。《空间中的鸟》系列雕塑花费了布朗库西多年心血，他期待这件作品能够成为自己最杰出的系列作品。与其他雕塑家不同，布朗库西没有大型工作室，而是使用材料独自进行创作，在这部作品中使用的是石雕和抛光的黄铜。
菱形构成第四号：红，灰，蓝，黄和黑色
Tableau No. IV; Lozenge Composition with Red, Gray, Blue, Yellow, and Black
Piet Mondrian
Dutch, 1872 – 1944
Upper Level – Gallery 415C
皮特·蒙德里安抱持着宇宙的和谐存在于在大自然中的精神理念，他从事抽象画作立意在于表达出这个理念。在他的构图作品中，水平和垂直部分经过精心校准，以产生一种平衡的不对称效果，代表了在自然界中，对立力量和动态平衡经常并列存在的现象。蒙德里安说，菱形构图是一种切割的艺术，在这幅画作中，切割的感觉非常明显。画面中的形状并不完整，而且被画布边缘切割，暗示着画面一直延伸到画布的物理边界之外。
幕墙 Façades d’immeubles (Building Façades)
Jean Dubuffet
French, 1901 – 1985
Upper Level – Gallery 407A
让·杜布菲认为在第二次世界大战后，绘画艺术必须从零开始，于是他开始从没有受过训练的艺术家的作品中寻求灵感，尤其是儿童和自学成才的艺术家。他将这些作品收集起来，称之为“原生艺术”。在这幅《幕墙》中，杜布菲展示了他的“原生艺术”风格。他使用孩子在教室里的画画的方法，也就是在事先涂上彩色的纸上涂一层黑漆，然后用刮去黑漆的方式，勾勒出孩子眼中的巴黎街头景象。不过，精心布置的网格和壮观的整面墙绘，彰显了杜布菲的现代主义风格理念。
一年生乳草 One Year the Milkweed
Arshile Gorky
American, born Armenia, 1904 – 1948
Upper Level – Gallery 407B
这幅《一年生乳草》是阿希尔·戈尔基于 1944 年创作的几幅“色纱”画作之一。他在画布上不均匀地涂画颜料层，然后画上朦胧不清但令人瞩目的轮廓。这幅画整体色调呈绿色和棕色，暗示是一幅风景画，但并没有可辨认的景物形态和空间层次。相反，垂直掉落的水滴和深浅交替的色调，在整幅画面上营造出一种流动的、波光粼粼的效果。
1950 年 11 月 1 日（薰衣草之雾） Number 1, 1950 (Lavender Mist)
Jackson Pollock
American, 1912 – 1956
Upper Level – Gallery 407B
当杰克逊·波洛克这幅壁画大小的滴画在 1948 年首次展出时，受到了褒贬不一的评价。在创作这幅作品时，他在由谷仓改造的工作室地板上铺开一张大画布，几乎覆盖了整个空间。他将画笔或棍子蘸满颜料，包括油漆、油彩、瓷釉和铝颜料，然后一边走，一边把颜料滴到、甩到或倾倒在画布上。他说这就是他的创作手法：在创作过程中，画家本人也是媒材的一部分。他在画布左上角和顶部用掌印对画作进行了“签名”。
快看米老鼠 Look Mickey
Roy Lichtenstein
American, 1923 – 1997
Upper Level – Gallery 407D
这幅《快看米老鼠》可能是罗伊·利希滕斯坦首次针对流行文化进行改编创作，他取材的灵感来自于 1960 年的儿童读物《唐老鸭：失而复得》中的场景和风格。利希滕斯坦巧妙地修改了原作，使其画风更加统一，包括省略了背景图、把视角旋转 90 度、使用黄色和蓝色为主色调，并简化了角色的形貌。在风格上，利希滕斯坦模仿了印刷制品的风格，包括使用厚重的黑色轮廓和原色，并在唐老鸭的眼睛和米老鼠的面部上，使用了本戴制版印刷工艺的墨点；这种工艺在当时用于印刷便宜的漫画书和杂志。
无题 Untitled
Donald Judd
American, 1928 – 1994
Upper Level – Gallery 406A
唐纳德·贾德的这件《无题》雕塑直接安放在地上，没有基座，就这样和观众处于同一个空间里。与之前的几乎所有雕塑不同，它的周边没有设置任何围框。立方结构是通过几何逻辑而不是任何表现语言来创作的，方法是沿对角线进行平分，让其中一半的高度是另一半的两倍，形成阶梯造型。贾德钟情于他眼中的欧洲现代主义中持续的幻觉主义，呈现的不再是现实中的一件普通物体，而是物体的精髓。他对内在空间而非表面空间的追求，是对传统绘画观点的挑战。
“不确定性”习作 Test Piece for "Contingent"
Eva Hesse
American, born Germany, 1936 – 1970
Upper Level – Gallery 406B
伊娃·海丝不想创作一件传统意义上的漂亮雕塑。她拒绝使用传统的雕塑原材，例如金属或石头，而是喜欢用更加柔性的材料，如纤维、石膏或乳胶等。在这件习作中使用的是乳胶。这件作品是《不确定性》最终成品的几件习作之一。成品由八个相似的旗帜组成，现悬挂在澳大利亚国家美术馆中。海丝形容它“既不是画，也不是雕塑。它实际上是一幅挂画。”
无题（红色的手） Untitled (Red Hand)
Nam June Paik
American, born South Korea, 1932 – 2006
白南准出生于韩国首尔，但在日本、德国和纽约长大和生活，并最终定居纽约。他开创了运用视频等新媒体技术进行艺术创作的先河。在这幅作品中，白南准对一幅 19 世纪的日本画卷进行改造，在画中加入了他的掌印，并在画的后面放置了一盏红色闪光灯。传统艺术形式与现代技术的并存，或将成为白南准作品的一个标志性特点。
第一站 First Station
Barnett Newman
American, 1905 – 1970
Tower – Gallery 615B
巴尼特·纽曼是抽象表现主义运动的代表人物之一，他通过绘画、雕塑和写作来表达自己的想法。在 20 世纪 40年代中期，纽曼使用其标志性的垂直光带（又称“zip”），对画布上的单色调底色进行点缀。这幅画作是纽曼命名为《苦路十四站》的系列作品的第一幅。该系列共有 14 幅，之后又加上了第 15 幅画作“Be II”作为结尾。《苦路十四站》是纽曼为了应对二战及大屠杀后艺术家面临的他所称的“道德危机”而做出的最积极的尝试：“我们到底要画什么？”